El desfile de Herrera convierte el poder artístico femenino en política para vestir

En una sala del Meatpacking District, la sorpresa no fue el dobladillo, sino quién lo llevaba puesto. La nueva colección otoño-invierno de Carolina Herrera puso a mujeres artistas en la pasarela, convirtiendo la moda en un debate sobre mecenazgo, visibilidad y poder cultural en tiempos inciertos.

Las artistas salen de las paredes

Hay un tipo particular de silencio que se instala justo antes de que un look de pasarela se revele por completo, una pausa que se siente como si todos contuvieran la respiración al mismo tiempo. En el espacio industrial del Meatpacking District, esa tensión fue distinta esta vez, porque los rostros no eran solo los de modelos. Entre las mujeres que desfilaron había figuras conocidas por crear arte, coleccionarlo, defenderlo, venderlo y moldear la mirada sobre él. Esto resalta el poder y la influencia que las mujeres tienen en las artes, inspirando orgullo y admiración en el público.

La nueva colección de Carolina Herrera se presentó como un homenaje al poder creativo de artistas, mecenas, galeristas, coleccionistas y musas. La marca de la diseñadora venezolana, ahora dirigida creativamente por Wes Gordon desde 2018, reunió a unas doscientas personas, incluyendo figuras de la moda y la música como Hiba Abouk, Emilia Mernes, Lauryn Hill, Lux Pascal, Tabita Von Fustenberg y Olivia Palermo.

Luego, la revelación dentro del propio casting. La pintora Amy Sherald, conocida por su retrato de Michelle Obama, y Ming Smith, la primera fotógrafa afroamericana adquirida por el MoMA, no eran solo invitadas de honor. Se movieron bajo la luz, habitando las siluetas, encarnando la celebración del desfile a las mujeres artistas que moldean el poder cultural.

Esto cambia la jerarquía de la sala. En el guion habitual de la moda, el arte suele ser el punto de referencia, el combustible del mood board, el nombre que se menciona en las notas de prensa. Aquí, las mujeres que crean y resguardan el arte fueron llevadas al frente como parte del cuerpo del desfile. No como decoración. Como presencia. Y el problema es que, una vez que lo ves, no puedes dejar de ver la pregunta que subyace: ¿quién suele ser visible y quién se espera que permanezca detrás de la obra?

“Mi mood board se llenó de imágenes increíbles de ellas, y me pareció una extensión natural y una oportunidad divertida, especialmente porque la moda tiene que ser divertida, hablar de historias y personalidad, para invitar a siete mujeres fabulosas al desfile”, dijo Gordon a EFE en el backstage.

Dijo que la moda debe ser divertida. Esa palabra puede sonar ligera, pero en un momento definido por la incertidumbre global, la diversión se convierte en una declaración sobre lo que la gente tiene permitido desear.

La excentricidad de una mecenas, la disciplina de una casa

La colección de Gordon se inspiró en el estilo ecléctico de la mecenas y coleccionista Peggy Guggenheim, con capas románticas inspiradas en su vestuario. La forma en que la idea aterriza en la práctica es una mezcla de referencias teatrales y sastrería precisa, el tira y afloja que mantiene viva a una casa histórica.

Hubo conjuntos sencillos pero elegantes de falda lápiz combinados con blazers de hombros abullonados. Hubo vestidos ceñidos al torso, con caderas exageradas. Hubo chaquetas abrigadas llenas de lazos, y luego el contrapunto: vestidos tipo túnica y conjuntos de top y pantalón que enfatizaban la silueta femenina con un cinturón delgado en la cintura.

La paleta se movió entre tonos neutros en blanco, negro y rojo, con estampados de leopardo y flores que rompían la contención. Zapatos de tacón alto evocaban el icónico logo y frasco del perfume Good Girl, que cumple diez años. La observación cotidiana que implica ese detalle es cómo una marca no es solo tela y costura. Es memoria. Es un frasco de perfume que reconoces al instante, y la forma en que ese reconocimiento se traduce de nuevo en un estampado o un tacón.

Para la noche, el adorno se apoderó de todo. Vestidos cubiertos de lentejuelas, formando amapolas de colores. Lentejuelas doradas, inspiradas en la obra Friendship de Agnes Martin, según las notas de la marca. Las calas reaparecieron como botones y broches dorados en varios looks.

Es una colección que habla en símbolos, pero no abandona el cuerpo. El volumen es una declaración en la cadera, en el hombro, desafiando las nociones tradicionales de elegancia. Insiste en que la moda llamativa y expresiva puede seguir encarnando la gracia sin gritar.

La belleza como estrategia en una economía incierta

Después de que las artistas caminaron entre los maniquíes en el espacio industrial, cerraron el desfile entre aplausos. Gordon salió al final ante una gran ovación, y luego se detuvo para saludar a la propia diseñadora venezolana, sentada en primera fila junto a su hija, Carolina Herrera Jr.

Gordon describió el momento con esa honestidad nerviosa que hace que una cita de backstage se sienta humana en vez de pulida. “La primera vez que ella ve una colección es en el desfile, como hoy. Así que siempre me gusta mirar su cara para ver sus reacciones, porque incluso después de ocho años, me pone nervioso. Y hoy se levantó y me dio un abrazo, algo precioso”, contó a EFE, agregando que son grandes amigos.

Ese abrazo está en el corazón de la propia historia de la marca, según las notas del desfile. Herrera comenzó a diseñar porque otra mujer creyó en ella: Diana Vreeland, la legendaria editora de Vogue que reconoció el instinto de Herrera y la animó a seguirlo.

Esa línea importa porque convierte el concepto de la pasarela en un argumento de política sobre los ecosistemas culturales. No política gubernamental en el sentido estricto, sino la política más profunda de quién recibe apoyo, quién es presentado, quién recibe el primer sí. La celebración declarada del desfile a mecenas, galeristas y coleccionistas mujeres es en realidad una declaración sobre redes de poder, y sobre cómo las mujeres las han construido de todos modos, muchas veces sin ser reconocidas como arquitectas. Esto anima al público a sentirse motivado a apoyar cambios estructurales para las mujeres en las artes.

Consultado sobre cómo responde la moda al actual momento de incertidumbre global, incluyendo la política arancelaria, Gordon defendió la belleza como una necesidad y no un lujo. “Cuando los tiempos son oscuros es cuando más necesitamos belleza, color y alegría”, dijo a EFE. Defendió la capacidad de la moda para la expresión personal. “La moda es crear algo bello, crear algo con nuestras propias manos y mentes, y es la máxima expresión de quiénes somos como pueblo y como personas”, dijo a EFE.

El problema es que la belleza nunca es solo belleza. En un mundo de aranceles, cadenas de suministro y presión económica, insistir en el color y la alegría es también insistir en el trabajo, la artesanía y el derecho a crear algo que no sea puramente funcional. Es afirmar que la cultura no es un lujo accesorio. Es parte de cómo la gente sigue siendo legible para sí misma.

La marca también aprovechó el día para destacar una plataforma llamada Carolina Herrera for Women in the Arts, que colabora con instituciones para promover el talento femenino en la moda a través de becas y apoyar exposiciones de artistas mujeres, entre otros esfuerzos.

Vista desde la realidad vivida de la pasarela, esa iniciativa se lee menos como un eslogan y más como un mapa de lo que el desfile intenta argumentar. Si el poder artístico femenino es el tema, entonces el apoyo debe ser más que aplausos. Debe ser estructural.

En esa sala del Meatpacking, se podía sentir cómo la lógica encajaba. Las artistas no solo inspiraron la ropa. La vistieron. Y por un momento, la distancia entre musa y creadora, entre mecenas y pasarela, se hizo más pequeña. No desapareció. Se redujo.

A veces, esa es toda la lucha.

Lea También: El calor del entretiempo puertorriqueño pone a prueba quién es vigilado en la TV