La feria de arte de verano en Uruguay convierte al tranquilo José Ignacio en un imán
En José Ignacio, Uruguay, la brisa marina transporta más que sal y protector solar. Cada enero, Este Arte atrae a coleccionistas, galeristas y artistas a un pueblo de cuatrocientos habitantes, transformando el ocio veraniego en una prueba para el mercado de arte latinoamericano. Basado en el reportaje de Mercedes Ezquiaga para The Observer.
El balneario donde el dinero llega antes que el amanecer
En el apogeo del verano en el hemisferio sur, José Ignacio realiza un truco costero familiar: el antiguo pueblo de pescadores se convierte en un exclusivo balneario, y la calma que define el resto del año es reemplazada brevemente por la coreografía de la riqueza. Pero esto no es solo la habitual migración estacional de sombrillas y alquileres de lujo. Durante unos días cruciales, la verdadera marea es cultural: conversaciones privadas, decisiones rápidas y el cálculo silencioso del gusto, el estatus y la liquidez.
El centro gravitacional es Este Arte, una feria boutique de arte contemporáneo que ha aprendido a sobresalir con una pequeña lista de galerías y un sentido del timing desproporcionado. Se ubica temprano en el calendario regional, actuando como el disparo de salida para un año de coleccionismo que continuará con ZONAMACO en México en febrero y SP-Arte en Brasil en abril. El objetivo no es imitar la magnitud de las ferias globales; es controlar la temperatura de un mercado en el momento en que despierta—cuando los coleccionistas aún sienten la urgencia de un nuevo año y las galerías todavía quieren creer que una temporada se puede ganar en una semana.
“Esta es una feria de arte contemporáneo que se creó principalmente con la intención de poner en primer plano la escena artística uruguaya, así que primero tuvimos que crear un mercado que prácticamente no existía”, dijo Laura Bardier, directora de la feria, a The Observer. La frase encierra dos ambiciones a la vez: cultural y económica. En el mundo del arte latinoamericano, la visibilidad suele describirse como una victoria moral, pero aquí también es una victoria logística—rutas de envío, atención institucional, confianza de los compradores y la infraestructura silenciosa que hace que una escena sea legible para los forasteros sin reducirla a un cliché.
En su duodécima edición, Este Arte ya no discute su propia existencia. El mercado responde, en la moneda que mejor entienden las ferias. Bardier contó que en el primer día, “todas las galerías recuperaron el costo de sus stands”, que son de veinte metros cuadrados y cuestan diez mil dólares cada uno. “Algunas incluso vendieron todo su stand y tuvieron que volver a colgar sus obras en el día de la vista previa.” El detalle es casi cinematográfico: un stand que se vacía demasiado rápido, una pared de repente expuesta, un equipo apurado para rehacer el montaje, el dinero llegando antes de que comience la función oficial.
Bardier, uruguaya radicada en Nueva York, rastrea el origen de la feria a su cercanía con la coleccionista y filántropa Estrellita Brodsky—una figura asociada al giro institucional que ayudó al arte latinoamericano a ganar espacio en el mundo del arte del Atlántico Norte. Brodsky convenció al Museo de Arte Moderno de Nueva York de crear un departamento dedicado al arte latinoamericano a mediados de los dos mil, contó Bardier, un movimiento que luego fue replicado por la Tate Modern en Londres y el Met. Para los países pequeños, esos gestos pueden sentirse como truenos lejanos: prueba de que el reconocimiento es posible, pero también un recordatorio de que la validación suele llegar con sello extranjero.
Un pabellón junto al mar, construido para el ritmo de la región
La feria se desarrolla dentro del Pavilion Vik, un espacio sobrio a solo unos metros del océano, frente a La Susana, uno de los clubes de playa más exclusivos de la costa. La escena es deliberadamente íntima: el tipo de lugar donde una copa de vino espumoso puede ser tanto un accesorio social como un instrumento de negociación. Afuera, en una terraza al aire libre, el atardecer sobre el mar se convierte en un suave telón de fondo—hermoso, sí, pero también útil. Les dice a los visitantes: quédense un poco más, conversen un poco más, decidan.
Bardier ha resistido la tentación de importar la coreografía de las ferias más grandes. “No me interesa importar modelos externos ni replicar fórmulas, aunque sean exitosas en otros contextos”, reflexionó para The Observer. “Me interesa trabajar desde las condiciones específicas de la región: su ritmo, su relación con el público, su tradición institucional y su escala.” En América Latina, la escala nunca es neutral. La pequeñez puede ser una vulnerabilidad—fácil de ignorar, fácil de subestimar—pero también puede ser una ventaja, permitiendo conversaciones más largas, relaciones más profundas y decisiones de colección basadas en la continuidad más que en el espectáculo.
Esa lógica se refleja en la forma en que las galerías presentan obra aquí. Almeida & Dale, una potencia con tres sedes en São Paulo y una cuarta en construcción, trajo una presentación individual del artista brasileño Vanderlei Lopes: nueve esculturas que evocan líquidos y objetos cotidianos, cuyas superficies espejadas intensifican la ilusión del agua. Creadas específicamente para la feria y en diálogo con el paisaje costero, las obras tenían precios desde diez mil hasta treinta y ocho mil dólares. Los números importan, pero también el contexto. En un lugar como José Ignacio, una obra que refleja el mar es más que estética; se convierte en una especie de moneda local, una forma de decir: esto fue hecho para aquí, y por lo tanto pertenece a este momento.
“A diferencia de las grandes ferias globales, donde suele prevalecer el volumen, Este Arte favorece relaciones curatoriales y comerciales más profundas”, dijo Hena Lee, directora de la galería, a The Observer. “Ofrece un contexto enfocado que se ha vuelto cada vez más relevante para nosotros, ya que la feria sigue atrayendo a un número creciente de coleccionistas comprometidos.” La frase “coleccionistas comprometidos” tiene un peso silencioso. En los mercados regionales, el compromiso no es solo entusiasmo; es la disposición a invertir en artistas cuyo reconocimiento internacional aún se está formando, y aceptar que el valor de una colección no siempre es inmediatamente convertible.
El poder de atracción de la feria se extiende más allá del Cono Sur. El coleccionista alemán Robert Müller-Grünow, que vive en Colonia, asiste desde hace cinco años para construir una colección dedicada a jóvenes artistas latinoamericanos—un proyecto que comenzó a principios de los años noventa. “Lo difícil no es comprar las obras sino enviarlas a Alemania”, contó a The Observer, recordando que la globalización siempre ha sido desigual: es fácil que el capital llegue a una playa, más difícil que el arte salga con la misma facilidad. Acababa de adquirir una pieza de Francisca Maya (nacida en 1985), cuyo trabajo rinde homenaje a la tradición geométrica uruguaya, de Black Gallery.
Un pueblo de cuatrocientos se convierte en capital estacional
Si Este Arte es el ancla, el resto de la semana se convierte en una constelación—festivales, exposiciones, charlas y programas paralelos que transforman a un pueblo de cuatrocientos habitantes permanentes en un polo artístico con un pulso mucho mayor que el que su población sugiere. El cambio no es solo cultural; es infraestructural. Un lugar que sobrevive de la estacionalidad de repente debe responder a las exigencias de la vida artística internacional: agendas, envíos, prensa, hospitalidad y la necesidad constante de producir “relevancia” a pedido.
Uno de los proyectos paralelos más visibles es el Focus International Photography Festival, que celebró su tercera edición del seis al once de enero. Menos una máquina comercial que una iniciativa diseñada para promover la fotografía como disciplina artística, montó exposiciones gratuitas en espacios públicos y privados de José Ignacio, incluyendo galerías de arte, la plaza central y el Faro de José Ignacio. Producido por Fola y Arte x Arte, la misión del festival es “promover el crecimiento de la fotografía dentro de la escena artística”, contó el director Gastón Deleau—promotor cultural que creó el primer museo en Argentina dedicado exclusivamente a la fotografía—a The Observer.
Curado por Nicolás Janowski, lo más destacado del festival entrelazó historia y práctica contemporánea: imágenes de Frida Kahlo tomadas en su casa de Coyoacán por el fotógrafo colombiano Leo Matiz; una exposición de Gaspar Gasparian, descrito como figura clave en Brasil; y obra del artista colombiano Oscar Muñoz, curada por José Roca, curador jefe de Arte Latinoamericano y de la Diáspora en el Hirshhorn Museum de Washington, D.C. En una región que a menudo se ve obligada a defender sus propios archivos, estos cruces llevan un mensaje implícito: el canon no está solo en otro lugar; también está aquí, y siempre ha estado aquí, esperando el marco adecuado.
Ese marco se ha fortalecido con espacios como Casa Neptuna, sede de la Fundación Ama Amoedo, que también funciona como residencia de artistas y se ha convertido en plataforma para conversaciones sobre arte contemporáneo en José Ignacio. Allí, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, curador de la Bienal de São Paulo 2025, ofreció una charla pública y destiló una tesis moral que atravesó el zumbido transaccional de la semana. “Mi humanidad depende de tu humanidad y tu humanidad de la mía. Si yo no soy humano, tú no eres humano. No importa cuánto dinero tengas”, dijo, resumiendo el espíritu de la bienal, que concluyó el once de enero. En un entorno cargado de riqueza, la frase cayó como un correctivo—una insistencia en que la promesa social del arte no se puede comprar como un terreno frente al mar.
Otro punto destacado vino de la artista mexicana Ana Segovia, quien presentó una exposición individual en la Fundación Cervieri Monsuárez, curada por Magalí Arriola. Titulada “The Office of Inter-American Affairs Presents: Uruguay”, la muestra reunió pinturas recientes inspiradas en cortometrajes documentales producidos en Estados Unidos durante los años cuarenta y cincuenta, bajo la llamada Política de Buen Vecino, que ofrecía una visión estereotipada de América Latina. Segovia, quien tendrá una exposición individual en septiembre en Kurimanzutto Nueva York, reinterpreta escenas cinematográficas ligadas a la masculinidad en diálogo con la figura arquetípica del gaucho—un símbolo que, en el imaginario rioplatense, puede ser tanto mito como espejo, orgullo y propaganda.
Para la coleccionista y mecenas argentina Ama Amoedo, la acumulación de ferias, festivales y conversaciones de la semana señala algo más grande que un entretenimiento estacional. Ve a José Ignacio consolidándose como un punto de encuentro para el arte contemporáneo latinoamericano—ya no solo un refugio veraniego para coleccionistas, sino un laboratorio donde la región prueba su visibilidad y fuerza de mercado. En ese sentido, la playa no es una distracción del trabajo serio de la cultura; es el escenario donde la economía del arte latinoamericano ensaya su próximo acto, insistiendo—en voz baja, tercamente—que el valor de la región no necesita ser traducido por nadie más para ser real.
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